Luces cámaras y acción
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Luces, cámaras y acción
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Tomo parte de la frase que se conoce como, el inicio del rodaje de una película, para introducirlos en una forma de expresión y cultura muy importante para todos como es el cine.
El cine como
arte y método para comunicar o entretener nace. el 22 de marzo de 1895 en
París. La muestra fue en una sesión realizada en la Société d'Encouragement à
l'Industrie Nacionale. Las imágenes que allí se mostraron, son un clásico para
cualquier buen cinéfilo: La sortie des ouvriers des usines Lumière à Lyon
Monplaisir (la salida de los obreros de la fábrica Lumière en Lyon).
Tras varias
presentaciones del invento en sociedades científicas, en algunos sitios como
Bruselas o la Universidad de la Sorbona se inició la explotación comercial del
cine. El primer espectáculo de pago fue exhibido el 28 de diciembre de 1895 en
el Salon Indien del Grand Café de París, (Boulevard des Capucines). Allí,
además de la salida de los obreros ya conocida de antes, se exhibió la Llegada
de un tren a la estación de la Ciotat, El Desayuno del bebé. Con este pequeño y
entrañable catálogo el cine comenzó su historia: como testigo de la vida
cotidiana y con actores del día a día (no profesionales). La proyección causó
un gran impacto en el público. Muchos de ellos no comprendían que estaba
pasando ante sus ojos, por ello, cuando veían un tren en movimiento que se
dirigía hacia ellos, algunos salían corriendo de la sala.
El éxito de
este invento fue inmediato, no sólo en Francia, sino también en toda Europa y
América del Norte. En un año los hermanos Lumière crearon más de 500 películas,
marcadas por la ausencia de actores y los decorados naturales, la brevedad, la
ausencia de montaje y la posición fija de la cámara. El desarrollo de las
nuevas técnicas cinematográficas, de una mayor narrativa, y la elaboración de
los primeros guiones de ficción, provocó que los hermanos Lumière quedaran en
segundo plano en el crecimiento de su cinematógrafo.
De ese
insignificante y prácticamente inicio olvidado, hoy tenemos una de las artes o
expresiones humanas más importantes y transcendentes, ya que es un instrumento sumamente
poderoso por su capacidad de entretener o distraer, sin que esta capacidad de entretener
o distraer este atada o sujeto a las realidades o necesidades reales del ser
humano.
El cine es
un arte, como lo es el teatro, la música, la pintura, los libros. Pero porque
el cine es tan poderoso. Porque el cine contiene dos cosas que son muy
importantes para el ser humano, como son el sonido y la visión, aunque la TV,
también lo tiene, no tiene el mismo peso ni la transcendencia que el cine, y
para los próximos años ya en las salas de cine el olor y el movimiento, estarán
también a disposición de los que vallan al cine, dándole así al cine un peso
que ningún otra forma de expresión cultural tiene.
El cine a lo
largo de todos estos años ha tenido un desarrollo permanente, que lo a
convertido en un poderoso medio para informa, educar, y entretener, Pero por
supuesto que el cine no esta, alejado de todas las miserias que tiene el ser
humano en este mundo capitalista, y con las nuevas tecnologías prácticamente
cualquiera que tenga un buen celular, una buena computadora y conocimientos mínimos
puede hacer una película.
Es
pertinente recordar que en los años 40 y 50 en muchas partes del mundo avía una
campaña de satanización y persecución de los artistas, escritores, pintores, o
poetas que fueran o tuvieran alguna relación o amista con los socialistas y
comunistas.
La lista
negra de Hollywood—conocida generalmente como la amplia lista negra de la
industria del entretenimiento—fue la práctica de negar el empleo a guionistas,
actores, directores, músicos, y otros profesionales del entretenimiento
estadounidenses durante la mitad del siglo XX porque fueron acusados de tener
simpatía o lazos comunistas. A los artistas se les impidió trabajar sobre la
base de su presunta pertenencia o simpatía con el Partido Comunista de los
Estados Unidos o a su negativa en la asistencia a las investigaciones sobre las
actividades del partido. Incluso durante el periodo de su aplicación más
estricta, desde finales de los años 1940 hasta finales de años 1950, la lista
negra era rara vez se hacía explícita o verificable. Sino que directamente
dañaban la carrera profesional de decenas de personas que trabajaban en la
industria del cine.
Esa política
de persecución y asedio limito y censuro a mucho talento que tuvo que huir a Europa
para poder trabajar. Con esa política también aseguraron que el cine de EEUU
fuera el instrumento mas poderoso para impulsar y promover la ideología domínate
de explotación y opresión del capitalismo de EEUU. Encajonando asi la
interpretación de la realidad política y social bajo su control y dominación
Hoy una
película se mide o se cataloga por varios métodos y categorías, la mas
importante es por la cantidad de personas que fueron a ver la película en las
salas de cine, o por los premios ganados en festivales, foros, y en el óscar,
eso son los parámetros que hoy rigen al cine en el mundo, pero para que eso
ocurra es necesario tener un apoyo económico y de medios importante, y como en
casi todos esos premios esta de por medio el interés económico y político del
poder dominante muchas películas quedan en el olvido o son relegadas para que
las masas no las conozcan.
Ante esa
realidad que prácticamente anula o desaparece una serie de películas de interés
para todos, que pueden entretener y elevar las conciencia de las masas, me e
permitido escoger una serie de películas que en lo personal me parecen de un
interés para todos los luchadores, y revolucionarios del mundo, no todas están
enmarcadas de manirá directa en una trama o historia ideológicamente socialista
y comunista, pero tienen un contenido político y social que permite entender la
realidad que hoy sufre la humanidad, de miseria explotación y opresión, causada
por el capitalismo y sus colaboracionistas.
Otras son
una expresión de la capacidad humana de entretener o distraer, de forma
inteligente e interesante, en donde no es necesario invertir millones, ni usar
el sexo como un instrumento para que vallan a ver la película, y que aun asi la gente pasa dos horas de recreación y
entretenimiento.
Bien esta
recopilación de películas no esta presentada por cantidad de premios ganados o
por la calidad o relevancia de la película, como les señale antes, son algunas
películas que yo escogí para que ustedes las valoren y si pueden las vean.
Algunas de ellas están en internet, otras ya fueron eliminadas, pero les dejare
su nombre originario, país de origen, y año de su presentación, con esos
detalles pueden buscar y en contra por otras vías las películas que a ustedes
les gusta.
Esta
recopilación de películas la dividí en varias partes, ya que asi se hace más
fácil su publicación y también para que se les haga más fácil a ustedes escoger
que películas les interesan ver. Esta primera publicación consta de 21
películas, de principio del cine, hasta inicio de los años 60. Y en las
siguientes publicaciones seguiré avanzando hasta llegar al 2018.
1 -- El nacimiento de una nación (1915) de D.W.
Griffith –
Título original: The Birth of a Nation
Año: 1915
País: EEUU
Esta es la
primera película realizada en el mundo con el propósito de justificar y
realzar, la esclavitud explotación y opresión, del capitalismo, la película de
Griffith merece crítica negativa, dado que tiene una clara y predominante
realce del racismo, ve el origen de la nación (EEUU) como un trabajo que
corresponde a la raza blanca, tratando de manera ofensiva a los negros, a
quienes pinta como desordenados y borrachines, además de manipuladores y
peligrosos, hasta el punto de que hace una apología de la violencia racista del
KKK contra ellos.
Lo peor de
todo es que los actores que hacen de afroamericanos son blancos con la piel
pintada de negro.
2 -- El
Acorazado Potemkin - 1925 (sub Español)
Título Original: "Броненосец
Потёмкин"
Año 1925
País. URSS
Es difícil
asimilar que esta obra situada en la cúspide del cine mundial (la película
tiene la valoración más alta en el agregado de opiniones sobre cine, en Rotten
Tomatoes: un 100 % de reseñas positivas), estuvo prohibida en Inglaterra hasta
los años 50 y hasta el año 1978 se categorizaba con la X del cine porno.
Goebbles decía que la película de Serguéi Eisenstein era la obra con mayor
carga propagandística que había visto jamás, y que casi se volvió comunista
después de verla.
Cuando esta
película se proyectó en los cines británicos en 2005, el periódico London
Evening Standard escribió: “¿Para qué ir a ver Avatar en 3D cuando tenemos
esto?”.
Además de la
fuerza y la valentía con la que Eisenstein mostraba una violencia que en
aquella época dejó conmocionados a los espectadores, el director dejó para las
próximas generaciones su innovadora técnica de montaje. Esta técnica se utilizó
luego en El padrino de Coppola y en Los intocables de Elliot Ness de Brian De
Palma, y la famosa escena del tiroteo en las escaleras de Odessa prácticamente
se reproduce en estos dos filmes.
Muchos han
calificado esta película como la mejor de la historia del cine; entre ellos,
Orson Welles, Billy Wilder, y otros maestros de la dirección cinematográfica.
¡Brutal la
escena de la escalera, excelente película!
3 -- La huelga
Título
original: Стачка
Año: 1925
País: URSS
Dirección:Sergei
M. Eisenstein
El primer
largometraje de Eisenstein hace películas mudas contemporáneos que parecen
anémicos. Strike es una obra de arte tan singular como arriesgado, que ya
define la finura de Eisenstein y, por el corolario, la genética del cine
moderno. A diferencia de muchas otras películas mudas de la época, los actores
no tienen que exagerar las expresiones faciales para compensar histrionismo con
la incapacidad de hablar.
Eisenstein
consigue todo por todos los medios. A través de collages, ángulos de cámara
loca, secuencias entrecortadas rápidos y efectos especiales, se llega a conocer
la miseria de los obreros rusos, sus reclamos, por su lucha valerosa y, por
último, la supresión brutal.
4 -- El
Maquinista de la General
Título original:
The General
Año: 1926
País: EEUU
Esta
película no tiene un contenido político como tal, es una película para
entretenerse que esta basada en un echo real de su época, que el actor adapto
con drama y comedia, pero que sirve como ejemplo de como el cine y sus actores
han cambiado y olvidados algunas formas de hacer cine, que fueron muy
importantes para su desarrollo, a parte de eso es también una muy buena
película de la época del cine mudo.
El actor, Buster
Keaton acostumbro, desde el inicio de su carrera cinematográfica, no ser
doblado por otros actores en las escenas de riesgo. Feliz con un tren de verdad
para él solo, aprendió a conducirlo hasta ser capaz de hacer todos los
malabarismos escénicos que vemos en la cinta. En cada toma Keaton gritaba
“¡Acción!” y se sumergía de inmediato en la escena, y el operador de cámara
tenía orden de rodar hasta que Buster exclamara “¡Corten!”… o se matara.
Secuencia
antológica,
Con todo, la
escena de mayor riesgo fue, no obstante, la menos aparente y quizás la más
bella de su carrera. Rechazado injustamente por la chica, Keaton se siente
invadido por un estado de profunda melancolía sentado sobre la biela de su
locomotora, que de pronto comienza a funcionar con él encima: “En esa toma mi
vida dependía de la pericia que tuviera el maquinista -explicó el realizador
años después-. La máquina tenía que arrancar muy lentamente, porque si las
ruedas resbalaban sobre los rieles, cosa bastante frecuente, yo podía caer
hacia atrás y ser despedazado por la locomotora”.
5 -- 'Octubre'
Título
original: Октябрь'
Año: 1927
País: URSS
'Octubre',
de Serguéi Eisenstein
Serguéi
Eisenstein es, junto a Andréi Tarkovski, la quintaescencia del cine soviético,
y sus películas han tenido una gran influencia en directores a lo largo de todo
el globo.
En 1927,
Eisenstein decide grabar 'Octubre', una epopeya cinematográfica inspirada en la
Revolución rusa. Usando un ritmo increíblemente veloz para una película muda,
el director nos muestra todos los matices de la revolución, desde las
peripecias de Lenin y Trotski, hasta la vida de los marineros y soldados que
participaron en este acontecimiento.
6 -- El fin de San Petersburgo
Título
original: Конец Санкт-Петербурга
Año: 1927
País: URSS
Un campesino
llega a San Petersburgo desempleado en busca de trabajo. Sin querer, en última
instancia, denunciar a un viejo amigo de la policía, que lo envía a la parte
delantera de la Primera Guerra Mundial. El fin de San Petersburgo es poesía
pura en celuloide, a 80 minutos de intensa belleza y golpes poderosos. Es el
hermano gemelo del famoso Eisenstein octubre, pero a diferencia de éste, que se
centra en las masas, Pudovkin está dedicado a la persona y su importancia en la
revolución, sin embargo, nunca renunciar a la sociedad, su clase y su partido.
7 -- Metropolis
Título
original: megalópolis
Año: 1927
País:
Alemania
Obra maestra
del cine y película capital del expresionismo alemán, se trata de una visión
apocalíptica de la sociedad del futuro. En su día fue una gran superproducción
de la potente productora alemana UFA, pero fue un fracaso de taquilla.
Futuro, año
2000. En la megalópolis de Metrópolis la sociedad se divide en dos clases, los
ricos que tienen el poder y los medios de producción, rodeados de lujos,
espacios amplios y jardines, y los obreros, condenados a vivir en condiciones
dramáticas recluidos en un gueto subterráneo, donde se encuentra el corazón
industrial de la ciudad. Un día Freder (Alfred Abel), el hijo del todo poderoso
Joh Fredersen (Gustav Frohlich), el hombre que controla la ciudad, descubre los
duros aspectos laborales de los obreros tras enamorarse de María (Brigitte
Helm), una muchacha de origen humilde, venerada por las clases bajas y que
predica los buenos sentimientos y al amor. El hijo entonces advierte a su padre
que los trabajadores podrían rebelarse. Y el padre simplemente lo ignora.
8 -- De los hermanos o El guerrillero rojo
Título
original: Chapáev',
Año: 1934
País: URSS
'Chapáev',
una película biográfica de 1934, es considerada una de las creaciones
artísticas más importantes de la Unión Soviética y goza de gran fama en todo el
mundo. La película obtuvo el premio principal en la Exposición Internacional de
París de 1937.
Este
largometraje, producido por los hermanos Serguéi y Georgui Vasíliev, cuenta la
historia de Vasili Chapáev, un célebre soldado del Ejército Rojo que se
convirtió en comandante durante la guerra civil rusa.
9 -- Tiempos
Modernos
Titular original:
Modern Times
Año. 1936
País: EEUU
Tiempos
modernos” es uno de los títulos más populares de Charlie Chaplin y también una
pieza de estudio para los interesados en la historia del cine. Fue rodada en
1936 y producida por la United Artists, lo que explica la valentía para llevar
adelante un largometraje a contracorriente en una época donde ya estaba
plenamente instaurado el cine sonoro, ya que se trata de un filme esencialmente
mudo, pero que cuenta con música y efectos especiales de sonido. No hay que
olvidar que la United Artists fue una compañía singular, por donde pasaron
talentos de la industria como Joseph Schenck, David W. Griffith y Douglas
Fairbanks,
Chaplin, por
su parte, dirigió e interpretó ‘Tiempos modernos’ en un periodo de gran brillantez
artística. Sólo cuatro años después estrenaría ‘El gran dictador’, un alegato
contra el nazismo donde tuvo el arrojo de encarnar en tiempos tan tenebrosos no
sólo a un dictador al que ridiculiza ferozmente, sino también a un barbero
judío perseguido. «No tengo esa suerte (de ser judío)», dijo el actor cuando
fue preguntado si tenía raíces judías.
En 1936, el
cómico ya se había decantado por interpretar comedias agridulces donde el humor
y los gags compartían metraje con los sentimientos, el discurso analítico y
hasta cierto punto, el dolor. En este caso, el filme denuncia la
deshumanización generada por el capitalismo y sus métodos de producción basados
en la eficiencia, la mecanización y la optimización de los recursos y los pone
en contraste con la precariedad laboral de los trabajadores y la desesperación
ante el desempleo en la década de 1930. Toda una metáfora que engancha con el
antiguo expresionismo alemán, el cine social americano y el periodismo de la
Gran depresión de 1929, y que serviría de prólogo a grandes obras como ‘Las
uvas de la ira’.
10 -- 'Lenin
en Octubre',
Título
original: Lenin v oktyabre
Año: 1937
País: URSS
Se trata de una película soviética dirigida
durante el gobierno de Iósif Stalin y
que conmemora los veinte años de revolución, desde que el socialismo se
impusiera en el año 1917 mientras estaba teniendo lugar a la vez la primera
guerra mundial. La película, cuenta muy Sui Generis las jornadas que tuvieron
lugar en Octubre de 1917, cuando el partido Bolchevique se impuso al gobierno
moderado de Terenski, quien aún seguía involucrando al pueblo ruso en el
conflicto mundial.
La película
está dirigida por dos directores: Mikhail Romm y Dmitri Vasilyev. El primero de
ellos cuenta con una exitosa carrera y además dos años más tarde realizaría la
continuación de Lenin en Octubre, con Lenin v 1918 godu (Lenin en el 1918,
1939) una película que nos mostraba Lenin después de la triunfante revolución.
Aún así, las mejores películas del cineasta las encontramos antes y después del
gobierno de Stalin. De hecho, la puesta en escena de esta película resulta
bastante decepcionante, siendo mucho más estática que las películas mudas de
Eisenstein, algo bastante reprochable teniendo en cuenta que el propio Romm fue
discípulo de Einsenstein.
11 -- Las uvas de la ira
Titular
original: The Grapes of Wrath
Año. 1939
País: EEUU
Las uvas de
la ira describe el drama de la emigración de los componentes de la familia
Joad, que, obligados por el polvo y la sequía, se ven obligados a abandonar sus
tierras, junto con otros miles de personas de Oklahoma y Texas, rumbo a la
«tierra prometida» de California. Allí, sin embargo, las expectativas de este
ejército de desposeídos no se verán cumplidas. Entre las versiones
cinematográficas que ha conocido esta novela destaca la memorable protagonizada
por Henry Fonda y dirigida por John Ford.
El film,
realizado según la novela de Steinbeck, a la que sigue en el espíritu y casi en
la letra, no es nunca una simple ilustración. Es una verdadera obra fordiana a
partir del tema de Steinbeck, pero más densa, más concisa, eludiendo una
acumulación de detalles que la novela presentaba con cierto desorden a través
de su frondoso desarrollo. En una
palabra, el film quizá tiene más poesía que la novela. Pero, al encontrar una
fuente de inspiración que correspondía a sus ideas, John Ford ha experimentado
la influencia del escritor y su obra: ha transformado su tema simbólico en un
mensaje social. La fatalidad que abruma a los pequeños granjeros explotados por
el capitalismo puede ser discernida, razonada, contrarrestada. Ya no es ciega y
sorda, inhumana o fuera del alcance de toda voluntad, fatal en el antiguo
sentido de la palabra, como lo era hasta ahora. La esperanza, como siempre,
surge entre lo más profundo de la desesperación en este, viaje al fin de la
miseria, pero de forma organizada. El acto de rebelión es más acusado, más
patente. Los personajes emprenden una batalla contra la suerte que les abruma y
a la que otros hombres les han reducido. No es que se pretenda una orientación
dogmática o lección de cosas políticas, ni que tienen que alistase o
inscribirse en el partido, pero el sentido social no hace sino acrecentarse. El
problema se plantea. La solución se halla más allá de la película.
12 -- El
Gran Dictador-
Título
original: The Great Dictator
Año: 1940
País: EEUU
La película
es una feroz y controvertida condena contra el nazismo, el fascismo, el
antisemitismo y el totalitarismo en general. En el momento de su estreno,
Estados Unidos todavía no había entrado en guerra con la Alemania nazi. Chaplin
desempeña ambos papeles principales: un despiadado dictador fascista, y un
barbero judío perseguido.
Un humilde
barbero judío tiene un parecido asombroso con el dictador de Tomania, un tirano
que culpa a los judíos de la crítica situación que atraviesa el país. Un día,
sus propios guardias lo confunden con el barbero y lo llevan a un campo de
concentración. Al mismo tiempo, al pobre barbero lo confunden con el tirano.
13 – Mission en Moscu
Titular original: Mission to Moscow
Año. 1943
País: EEUU
Dirección: Michael
Curtiz
El
empresario Joseph E. Davies es nombrado por el presidente Roosevelt embajador
de los Estados Unidos en la Unión Soviética para que averigüe cuáles son las
intenciones de este país respecto a la inminente Segunda Guerra Mundial
(1939-1945). El embajador se llevará algunas sorpresas en una nación que pocos
conocen realmente.
El acoso
internacional, ya sea propagandístico o de guerra interna, que el imperialismo
alemán, inglés, francés y japonés (y en parte los EEUU) desarrollaban contra la
URSS, que hacía que peligrase el futuro del socialismo en este país. Esto es
justamente lo más honesto de la película, lograr enmarcar la construcción del
socialismo en la URSS dentro de una situación histórica internacional
particular en la cual se ponía en riesgo el futuro del Socialismo en un único
país. La historia burguesa metafísica cuando habla del "estalinismo",
a parte de mentir, jamás enmarca los hechos que "relata" dentro del
verdadero contexto histórico, lo cual le permite fácilmente calumniar y
tergiversarlo todo.
La película
también, aunque no extensamente, plasma la vida de la sociedad soviética y el
apoyo de su pueblo a la dirección del Partido Bolchevique. Aunque parezca mera
propaganda para aquellos que están contaminados con toda las calumnias sobre la
URSS, no me canso de decir que un país dominado por un malvado hombre que
reprime a su pueblo jamás hubiera llegado a alcanzar los logros que tuvieron
los soviéticos en esos años. La película claramente destaca el avance
productivo del sistema socialista y el empeño de su pueblo para salir del
atraso económico, cosa que lograron y que es uno de los grandes méritos de la
dirección del Partido en esos años. Bajo la amenaza del nazismo alemán, Stalin
dijo en 1931: " La URSS tiene un atraso económico de 100 años con respecto
a las grandes potencias imperialistas, tenemos diez años para lograr equiparnos
a ellos o nos aplastan". Eso lo lograron y el esfuerzo para hacerlo se
muestra también en la película.
14 -- La
estrella del norte
Título
original: The North Star
Año: 1943
País: EEUU
Cuando en el
verano de 1941 los alemanes invaden Rusia, algunos de los habitantes de
Estrella del Norte, un pueblo fronterizo, se desplazan a las montañas, donde se
organizan en guerrillas, dispuestos a retener el ataque. Mientras, los
alemanes, bajo las órdenes del Dr. Otto von Harden, extraen sangre a los niños
del pueblo para poder realizar transfusiones a sus soldados heridos.
Durante la
II Guerra Mundial, el presidente Roosevelt hizo un llamamiento a Hollywood, su
intención era realizar una película que ejerciera de homenaje a sus aliados
rusos. Los Samuel Goldwyn Studios (el presidente de los cuales era, por aquel
entonces, un hijo del mismo Roosevelt) respondieron a la llamada y pusieron en
marcha "La Estrella del Norte". Una película que, con guión de
Lillian Hellman ("La loba") y dirección de Lewis Milestone ("Sin
novedad en el frente"), pretendía aleccionar al ejército estadounidense
que participaba entonces en la II Guerra Mundial. Pero años más tarde, durante
la guerra fría, fue el propio productor quien ordenó que se recortara el
metraje del filme para despojarlo de cualquier síntoma de homenaje al pueblo
ruso.
La película
obtuvo 5 nominaciones a los Oscar
15 – La
Tierra tiembla
Titular
original: La terra trema,
Año. 1948
País: Italia
Es la
primera parte (El episodio del mar) de una trilogía sobre Sicilia. Narra la
historia de la lucha de un pescador ('Ntoni Valastro) y su familia para
liberarse de la explotación de los mayoristas de la pesca. Libre adaptación de
una novela de Giovanni Verga
16 -- Que
verde era mi valle
Titular original:
How Green Was My Valley
Año. 1941
País: EEUU
En un pueblo
minero de Gales viven los Morgan, todos ellos mineros y orgullosos de serlo y
también de respetar las tradiciones y la unidad familiar. Sin embargo, la
bajada de los salarios provocará un enfrentamiento entre el padre y los hijos;
porque mientras éstos están convencidos de que la unión sindical de todos los
trabajadores es la única solución para hacer frente a los patronos, el cabeza
de familia, en cambio, no quiere ni siquiera oír hablar de sindicatos ni de
socialismo.
En
definitiva poco se puede reprochar de semejante obra maestra;
Este es un
film hermoso, de una belleza notable, de un espíritu libre y han negado a la
tierra que nos ve nacer, crecer y morir. Una poética historia envuelta en un
trasfondo que da más que una lección de vida, todo un clásico injustamente no
recordado. Para nada intrascendente, lleno de una maravillosa puesta en escena,
un grandioso guión y una excelente fotografía. Cada uno de sus intérpretes logra
una cota elevada de particularidad al film, y todos se compensan entre sí.
Obtuvo 10
nominaciones al Oscar, ganando 5 de ellos, incluyendo película y dirección.
17 -- Europa
'51
Título
original: Europa 1951
Año: 1952
País: Italia
¿Queda
fuerza en Europa para luchar por un mundo mejor? En 1951 parece que sí la había.
Cómo no la iba a haber, si después de ver y vivir las mayores monstruosidades
generadas por la humanidad en su historia sólo se podía ir a mejor. Nadie
querría volver a caer en el horror. Este sentimiento aparece con total claridad
en la película de Rossellini. Aquí estamos en Roma, en 1951, en el seno de una
familia acomodada burguesa de libro. No todo es perfecto en esas reuniones
sociales preparadas al milímetro, claro.
Tienen un
hijo pequeño al que le pasa algo. ¿Qué? No lo saben. ¿Una enfermedad? ¿Una
depresión? Parece sugerirse que la guerra, el recuerdo de los bombardeos y de
las miserias, tiene algo que ver. Tal y como se plantea la situación, no se
entiende que el niño pudiera estar tan hastiado de todo en otro contexto, la
culpa tiene que ser del momento de la posguerra.
El pequeño
intenta suicidarse y, después, muere. La madre, Ingrid Bergman, ve entonces la
luz. El drama personal e individual le sirve como puerta a la conciencia de la
tragedia masiva.
Se da cuenta
de que vive en un mundo injusto y falso, ya no puede aceptar su vida desahogada
y de preocupaciones frívolas. Se lanza entonces a las calles a hacer el bien,
no en el sentido idiotizado y cursi de una Amélie, sino entregando su amor, que
descubre que es lo único que tiene (la caridad monetaria es sólo una forma que
toma), a quien lo necesite.
Se olvida de
sí misma, sólo importa que los demás no sufran. Ahí está la diferencia con
Amélie: si la francesa lo que hacía era dar un plus de originalidad y optimismo
a unas vidas por lo demás cómodas, el personaje de Irene Girard, lucha con
todas sus fuerzas contra el dolor verdadero, no el del vacío posmoderno sino el
causado directamente por la injusticia social.
18 -- Senderos de glorias
Título
original: Paths of Glory
Año: 1957
País: Estados
Unidos
Senderos de
glorias, es uno de los trabajos mejo realizado en una película, que recoge los
ideales del anti-belicistas de izquierda. La película nos lleva a las
trincheras fratricidas de la Primera Guerra Mundial, donde los seres humanos se
lanzan contra la lógica del campo de batalla por los burócratas de la muerte.
Cuando un batallón se negó a trasladarse a una muerte segura, se eligen cuatro
soldados para ser fusilado como chivos expiatorios, poniendo en marcha un
debate sobre el nacionalismo burgués notable, la autoridad y el valor de la
vida.
19 -- La Sal de la Tierra
Título
original: The Salt of the Earth
Año: 1954
País: EEUU
“¿Cómo empiezo mi historia que no tiene
principio? Mi nombre es Esperanza,
Esperanza Quintero. Soy la esposa de un minero. Esta es nuestra casa. La casa
no es nuestra. Pero las flores… las flores son nuestras. Este es mi pueblo.
Cuando yo era un niño, que se llamaba San Marcos. El “anglos” cambió el nombre
a la ciudad de zinc. Zinc Town, Nuevo México. Nuestras raíces son profundas en
este lugar. Más profundo que los pinos, más profundo que el mío “.
Así empieza
La Sal de la Tierra, que fue prohibido en los Estados Unidos en los años 50.
Todos los involucrados en su producción fueron añadidos a la lista negra,
infame del cine estadounidense, el protagonista fue deportado a México y el
escritor pasó más de un año en la cárcel. ¿Por qué? Debido a que esta película
es peligrosa porque es a la vez tan hermosa y valiente. La lucha de los mineros
estadounidenses, ver desde una perspectiva de clase en la que las mujeres y los
inmigrantes son los líderes y que si es posible luchar contra el explotador y
opresor, pone a esta pelicula como un enemigo de ese sistema.
20 -- El empleo
Título
original: Il posto
Año: 1961
País: Italia
El empleo
nos presenta a Domenico, un muchacho de clase baja-media que se dirige hacía la
gran capital para intentar conseguir un empleo. Una vez allí, y tras un
rigoroso proceso que nos llevará a conocer las entrañas de un sistema frío como
un témpano, a través del cual conocerá a una muchacha apodada Magalí con la que
entablará una particular amistad que precisamente será el motor de esa faceta
más terrenal que se erige como contrapeso ante ese deshumanizado método de
selección en el que los encargados de realizarla parecen poco más que meros
robots y los seleccionados son tratados de igual modo.
Ermanno Olmi
lograba una crítica que parece construirse casi a regañadientes, pero que
termina dejando claras sus intenciones con una última secuencia tan seca como
desoladora, que casi sin quererlo y dentro de ese extraño y contenido tono del
que hace gala la obra, actúa como fiel reflejo de todo aquello a lo que hemos
asistido a lo largo de la cinta, pero en ese último plano se termina clavando
con fuerza en la cabeza de un espectador que difícilmente podrá despegar de si
la inquietante mirada de Sandro Panseri acompañado por el incesante tecleo de
las máquinas de escribir.
21 -- Los camaradas
Título
original:
Año: 1963
País: Italia
La acción se
desarrolla a finales del siglo XIX en una fábrica textil de Turín. Los obreros
reivindican la reducción de la jornada laboral de 14 a 13 horas, para evitar
los accidentes que provoca el cansancio. La aparición del extraño y entrañable
profesor Sinigaglia (Marcello Mastroianni) hace que la protesta desemboque en
huelga. La película, que oscila entre el sainete y la tragedia, presenta una
galería de personajes antagónicos: ilusionados unos, reticentes y otros,
intrépidos y cobardes.
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